클로드 모네 (Oscar-Claude Monet, 1840 - 1926)
클로드 모네(프랑스어: Oscar-Claude Monet, 1840년 11월 14일 - 1926년 12월 5일)는 프랑스의 인상주의 화가로, 인상파의 개척자이며 지도자다. 그는 외부 풍경으로서의 자연에 대한 사람의 지각을 표현함에 있어 인상주의 철학을 일생 동안 견지했으며 다작을 한 화가이었다.
1. 생애
(1) 출생과 유년기 (1840년 - 1857년)
모네는 1840년 11월 14일 파리 9구 라파예트 45가(45 rue Laffitte, in the 9th arrondissement of Paris) 5층에서 파리에서 2대째 살아온 Claude Adolphe Monet와 Louise Justine Aubrée Monet의 둘째 아들로 태어났다. 1841년 5월 20일 지역교구의 Notre-Dame-de-Lorette 성당에서 세례명 Oscar-Claude로 영세를 받았으나, 성인이 된 후에는 무신론자로 살았다.
1845년 그의 가족은 파리를 떠나 노르망디 지방의 르아브르로 이사를 가게 되었는데, 그의 아버지는 부유한 상인으로서 아들이 집안에서 하는 선박업과 채소도소매업에서 일하기를 원했으나, 모네는 화가가 되기를 원했고 가수였던 그의 어머니는 그의 희망을 지지해주었다.
1851년 4월 1일 모네는 르아브르의 예술학교에 입학하게 되나 학업에는 흥미가 별로 없었고, 그림재주를 가지고 열다섯 나이에 돈을 받고 지인들의 캐리커쳐나 초상을 그려주는 일을 하였다. 처음에는 Jacques-François Ochard(1800-1870)로부터 사사를 받았으나, 1858년에 Eugène Boudin(1824-1898)을 만난 후로 그로부터 야외에서 그림을 그리도록 권유를 받고 같이 그림여행도 갔다. 모네는 보댕을 스승으로 삼아 많은 것을 배웠고 후에 그가 거둔 성공에 큰 도움을 주었다고 생각하였다.
열여섯 되던 1857년 모친이 사망한 이후에 이모인 Marie-Jeanne Lecadre와 그의 자식들과 같이 살면서 도움을 받았다.
(2) 파리와 알제리 시기 (1858년 - 1869년)
1858년부터 1860년까지 모네는 파리에서 그림공부를 하였다. 1859년 Académie Suisse에 등록하여 Camille Pissarro (1830-1903)로부터 배웠다. 알제리 전쟁에 징집되어 1861년에서 1862년 복무하였다. 알제리 복무 기간 동안 북아프리카의 풍광과 선명한 색깔들은 후에 그가 그림 공부를 하는 데 큰 인상을 주었다고 하였다. 질병으로 르아브르로 돌아온 그는 남은 복무를 하면서 또 하나의 멘토인 Johan Barthold Jongkind(1819-1891)을 만나게 된다.
아버지의 하락 하에 파리로 돌아온 모네는 집과 시골을 오가면서 Charles Gleyre's studio에 등록하여 이 때 동료로서 Pierre-Auguste Renoir(1814-1919)와 Frédéric Bazille(1841-1870)을 만나 같이 그림 공부를 하였다.
이 시기에 최초로 성공적인 작품 Le déjeuner sur l'herbe을 내게 되는데, Le déjeuner sur l'herbe(1865–1866, Paris)에는 친구 Gustave Courbet, Frédéric Bazille , Camille Doncieux(첫 부인), Musée d'Orsay를 그린 그림이다.
1965년에 살롱에 첫 대뷔작으로 La Pointe de la Hève at Low Tide와 Mouth of the Seine at Honfleur을 출품하여 찬사를 받았다. 1866년에 Le déjeuner sur l'herbe을 출품하려고 하였으나 출품 시한을 맞출 수 없어 The Woman in the Green Dress와 Pavé de Chailly을 대신 제출하였다. 1880년 마지막으로 한 번 더 시도하였으나 급진적이다는 평가를 받아 살롱 진출에 낙담하게 되었다.
1867년 모델로서 2년간 만나던 Camille Doncieux(1847-1879)가 그의 첫 아들 Jean을 낳았다. 모네는 까미유가 법적 부인이고 Jean 역시 자식이라고 주장하였으나, 이를 계기로 아버지는 재정적인 지원을 중단하였다. 초기에는 이모집이 있는 Sainte-Adresse로 가 있기도 하였으며, 이 때 일에 몰두한 결과로 시력에 문제가 생겼다. 다음 해 미술수집상 Louis-Joachim Gaudibert의 도움으로 까미유와 재결합하여 Étretat로 이주하였다. 이 시기에 그는 인물화가로서 자리 잡으로 노력하였다. 처음 2년 동안은 Gaudibert의 도움을 받았으나, 이후 Gustave Caillebotte, Bazille, Gustave Courbet등으로부터 지원을 받았다.
(3) 망명과 아르장퇴유(Argenteuil, 파리 북서부 12.3km) 생활 (1870년 - 1873년)
프랑스-프러시아 전쟁 발발 직전인 1870년 6월 28일 모네는 까미유와 결혼식을 올렸다. 전쟁 중에 그와 그의 가족은 징집을 피하기 위해 런던과 네덜란드에서 살게 되었다. 모네는 Charles-François Daubigny와 함께 자진 망명을 하였다. 런던에 살 때 모네는 오랜 친구 Pissarro와 재회하였고, 미국 화가 James Abbott McNeill Whistler와 미술품중개상 Paul Durand-Ruel을 만나게 되었는데 Ruel은 후에 모네의 후원자로서 모네의 경력에 결정적인 역할을 하였다. 모네는 런던에서 생활하면서 John Constable과 J. M. W. Turner를 흠모하였는데, 터너의 테임즈 강과 안개를 묘사한 작품에 큰 감명을 받아 계속해서 테임즈강, 하이드파크, 그린파크 등을 그렸다. 1871년 봄 그의 작품들이 Royal Academy exhibition에 출품이 거절되면서, 경찰들이 모네를 혁명주의자로 의심받는 일이 벌어졌다. 같은 해 아버지가 사망하였다는 소식을 들었다.
1871년 모네와 가족들은 Argenteuil로 이주하여 네덜란드계 화가들과 교류하면서 세느강 주변을 그렸다. 강에서 그림을 그리기 위하여 배를 구입하기도 하였던 모네는 1874년 새로운 집을 전세 얻어 살면서 정원 그림을 소재로 15개 정도 그리게 된다. 다음 4년 동안 아르장퇴유에서 지내면서 그림을 그리던 모네는 이 시기 화학자 Michel Eugène Chevreul의 색조 이론에 관심을 갖기도 하였다.
이 시기 모네와 까미유는 종종 재정적 곤란에 처하기도 하여서 1870년 여름 호텔비를 내기 어려웟다든지 돈이 부족하여 런던 교외로 나가서 살았다던지 하는 일들이 있었다. 1872년에는 아버지의 유산과 그림 판매 수익 덕분에 두 명의 하인과 정원사를 고용할 수 있게 되었다. 몇몇 바다 그림 전시회의 성공과 르아브르 은메달 수상 등에 힘입어 모네의 그림은 점점 더 잘 팔리게 되었다.
(4) 인상주의(Impressionism) 운동 (1874년 - 1879년)
Durand-Ruel와 동료들의 도움이 줄어들기 시작함에 따라 모네와 그의 친구들 Renoir, Pissarro, Sisley, Paul Cézanne, Edgar Degas, and Berthe Morisot 등은 모네를 주축으로 독자적으로 무명협동협회(the Anonymous Society of Painters, Sculptors and Engravers)를 개최하게 되었다. 모네는 동료 Pissarro와 Édouard Manet의 스타일이나 그림 주제에서 영감을 받아 살롱전과 독립적이고 학술적이기를 거부하는 것을 기치로 삼고 출품작을 모으기 시작하였다.
1874년 첫 전시회에서 30여명의 화가의 그림 165점을 전시하였는데, 모네는 그 유명한 Impression, Sunrise(1872), The Luncheon, Boulevard des Capucines(1873)을 선보였다. 이 전시를 보고 당시 평론가 Louis Leroy는 모네의 Impression, Sunrise(1872)에 대하여 항구에 대한 조악한 묘사와 스타일리쉬한 윤곽 처리 등을 인상(Impressionism)이라는 용어를 붙여 혹평하였다. 여기서 인상주의 또는 인상파라는 이름이 유래되게 되었다.
1874년 4월 15일부터 5월 15일까지 첫 인상주의 전시회를 연 무명협동협회는 같은 해 12월에 해산했다가 2년 뒤 1876년 4월 뒤랑 뤼엘의 화랑에서 제2회 인상주의 전시회를 열며 다시 부활했고, 1886년까지 모두 8차례에 걸쳐 전시회를 개최했다.
이들이 추구한 인상주의는 인상주의는 한 순간의 인상을 담기 위해 매우 신속하게 붓질을 하고, 구체적인 형상은 과감히 생략하면서까지 느낌을 전달하려고 노력하는 화풍을 말한다. 세세하게 자연을 선으로 묘사하는 대신 색조로 자연의 변화무쌍한 힘을 기록한 것이다.
인상주의 화가들은 8차례에 걸쳐 전시회를 개최하면서 세상을 놀라게 했다. 이들은 과연 어떤 사람들이었을까?
첫째, 인상주의는 프랑스 살롱전의 심사위원들이 추구한 아카데미의 전통과 19세기 초부터 중반까지 프랑스 화단을 풍미한 낭만주의의 기본 이념에 반대한 성향이다. 인상주의자들은 전통 양식에서 벗어나 새로운 양식을 구사하고 회화에서 감정을 제외시켰다. 화가의 감정 표현을 중시하는 낭만주의의 근본정신을 무시한 것이다. 모네의 그림 속에는 모네 자신의 감정이 크게 표현되어 있지 않고, 오로지 찰나에서 얻은 인상의 느낌만이 들어 있다. 누구라도 받을 수 있는 보편적인 인상을 작품 속에 붙들어 매기 위해 노력한 것이다.
둘째, 자연과 삶의 현장을 가능한 한 객관적이며 과학적 정신에 따라 기록했다. 모네의 경우 같은 대상을 같은 시각, 같은 장소에서 묘사하여 빛이 대상에 미치는 역할 혹은 효과를 기록하려 애썼다. 그는 오로지 자신의 눈으로 보는 것만을 그렸으므로 그의 그림은 '과학적 사실주의'라 불러야 마땅하다.
셋째, 빛이 계절과 시각에 따라 달라지며 이 때문에 사물이 다르게 표현됨을 알고 이를 다양한 색조로 표현했다. 그러기 위해 색채를 작게 분할하는 색채 분할법을 사용했으며 자유로운 관찰을 통해 대기가 주는 밝고 미묘한 인상을 전달했다. 당시 실내에서 그림을 그리던 것이 당연했던 시대에 모네를 비롯한 인상주의 화가들은 직접 자연으로 나가 대상을 관찰했다. 그리하여 빛 속에 보이는 자연과 삶의 현장이 결코 고정된 것이 아니며, 형태 또한 일정하지 않다는 것을 깨닫고 그것을 실제로 보여 주려 애썼다.
넷째, 스냅사진처럼 즉각적인 인상의 효과를 전달하려 애썼다. 그러다 보니 붓을 신속하게 사용할 수밖에 없어 짧게 끊듯이 붓질을 했다. 때로는 물감을 팔레트에 섞어 사용하기보다는 화면에 튜브를 대고 직접 물감을 짜서 사용하기도 했다.
마지막으로 인상주의 화가들은 저마다 다른 재능을 겸비했으며 기질도 다르고 화풍 또한 다양했다. 따라서 하나의 양식 혹은 사조를 형성하기보다는 하나의 운동을 전개한 것이다. 무명협동협회 사람들은 어떤 이념을 위해 뭉친 사람들이 아니고, 각자 개성 있는 회화 세계를 가진 사람들이었을 뿐이다. 그들의 목적은 파리 화단에 이름을 알리고 작품을 팔려는 것에 있었다. 프로이센-프랑스 전쟁이 끝나고 난 뒤 많은 화가들이 경제적으로 타격을 받았을 때, 비교적 신진 화가에 속했던 이들은 생활을 꾸리기 위해서 자신의 이름을 알릴 필요가 있었던 것이다.
- [네이버 지식백과] 인상주의 (순간의 빛을 영원에 담은 모네, 2007., 김광우)
1877년 4월 5일 세번째 전시회에서 모네는 Gare Saint-Lazare 역을 대상으로 그린 그림 12점 중 7점을 선택하여 전시하였다. 여기서 모네가 같은 장소를 그린 그림 연작 시리즈 시도를 처음으로 하였다.
(5) Camille의 죽음과 Vétheuil 풍경 (1879년-1882년)
1876년 까미유가 병에 걸렸다. 1878년 둘째 아들 Michel을 낳은 후 병세는 더 깊어져 갔다. 그 해 가을에 Vétheuil로 가서 후원자이었던 Ernest Hoschedé 집에서 같이 지내게 되었다. 1878년 까미유는 자궁암으로 진단받고 그 다음에 사망하게 된다. 그녀의 죽음과 더불어 인상주의에 대한 관심은 시들어지고 그의 재정상태 역시 더 힘들어져 Hoschedé의 후원에도 불구하고 다시 파리로 갈 수밖에 없는 상황이 되었다.
모네는 죽은 아내를 그렸다. 수년이 지난 후에 모네는 친구 Georges Clemenceau (1841-1929)에게 색을 분석하는 일은 기쁨이자 고통이었다고 말했다. 어느 날 죽은 아내의 얼굴을 보면서 자동적으로 색의 변화를 관찰하게 되었다. 영국 비평가 John Berger(1926-2017)는 그의 작품에는 엄청난 흰색, 회색, 자주색의 붓칠들과 그녀를 영원히 지워버리게 될 엄청난 상실감으로 가득차 있다고 묘사하였다.
세느강에 대한 작품을 계속 제작하여 1880년에 두개를 제작하여 그 중 하나를 발표하였다. 그는 인상주의적 기법을 버리고 좀더 어두운 색과 악천후의 세느강의 전경을 표현하였다. 새로운 그의 현실이 그림에 영향을 미쳐 인상주의에서 그의 그림이 멀어지고 있었던 것이다. 그는1892년에 둘째 부인이 되게 될 Alice Hoschedé에게 편지를 보내어 죽고 싶다고 하였다.
1881년에 모네는 Alice와 아이들과 함께 Poissy로 이사갔고 여전히 Durand-Ruel에게 그림을 팔았으며, Alice의 셋째 딸이 까미유에 이어 기꺼이 모네의 그림 모델이 되어 주었다.
1883년 봄 Vernon과 Gasny 사이를 기차로 여행하다가 노르망디의 Giverny를 새삼 발견하게 되었다. 같은 해 처음으로 회고전이 열렸다.
1884년 Bordighera에 가서 50점의 풍경화를 그려 돌아 왔다. 1886년에는 네덜란드에 가서 튤립을 그렸다. 이 모든 활동을 통해 오한성한 작품들이 미국 등 해외로 팔리면서 재정상태는 어느 정도 안정을 찾게 되었다.
(6) Giverny 시대 (1883년 - )
1883년 모네는 가족과 함께 Girveny에 집을 빌려서 지금까지 누려보지 못했던 편안한 안정감을 느끼게 되었다. 그 집은 큰 도로 가까이 있어 교통도 좋았고, 그림 그릴 수 있는 큰 헛간과 숲, 정원들이 있었다. 아이들 학교와도 멀지 않았고, 무엇보다 모네가 좋아하는 수많은 자연 풍광들이 그림 그리길 기다리고 있었다. Durand-Ruel이 그림을 더욱 잘 팔게 되어 형성된 재산을 활용하여 집과 정원을 확장할 수 있었다. 1890년에 모네는 마침내 그 집을 구입하여 온실과 두번째 화실과 채광이 잘 드는 건물을 완성하였다.
모네는 매일매일 그의 정원사에게 식물들의 정확한 디자인과 위치를 지시하였고 꽃의 구입과 식물관책 구입도 지시하였다. 그의 부가 증가하면서 정원은 더 확장되었고 7명의 정원사를 고용하였다. 또한 추가로 강가목초지를 임대하여, 프랑스 고유종 흰색 수련을 이식하는 한편 남아메리카와 이집트로부터 개량종도 수입하였다. 그의 정원은 노란색,푸른색, 분홍으로 변하는 흰색 수련 등 여러 색, 여러 수명주기별 수련을 총 망라함으로써 최고의 수련 정원을 완성하였다. 1902년에는 수변정원의 크기를 4,000 평방미터까지 확장하였다. 1901년과 1910년에 연못을 확장하여 이젤을 모든 각도에 설치하고 모든 시야에서 그림을 그릴 수 있도록 만들었다.
이제 모네는 인상주의에 한계를 느끼고 짚단, 포플라 나무, the Rouen Cathedral 등의 단일 사물을 여러 번 그리는 새로운 시도를 계획하였다. 연작 시리즈는 많은 비평과 재정적인 성공을 가져다 주었다. 1898년에 Petit gallery에서 61점의 연작물이 전시되었다. Mornings on the Seine를 주제로 한 연작에 이어 Belle에까지 모네는 이미 학습한 공식을 뛰어 넘어 새로운 미학을 발견하고 자신에게 독특하게 느껴지는 자연을 사실 그대로 표현하고자 하는 희망을 그림으로 시도하였던 것이다.
1899년에는 그의 다음 20년 동안 수련 연작을 계획하여 실행에 옮기기 시작하였다. 첫번째 기획 작업은 1900년에 일본식 다리 주변의 일련의 그림을 발표하였다. 1899년 런던에 가서 41점의 Waterloo bridge 그림, 34점의 Charing Cross bridge, 19점의 the House of Parliament를 완성하였고, 모네의 마지막 여정은 1908년 Alice와 함께 간 Venice이었다.
수련을 묘사함에 있어 시시각각으로 변화하는 빛과 거울같이 반사되는 모습이 그의 작품의 핵심이 되었다. 1910년대 중반까지 모네는 과감한 스타일의 그림을 시도하여 수련 연못에서 추상미술로 나아가는 새로운 길을 완성하였던 것이다. Claude Roger-Marx(1859-1913)는 1909년 수련 연작 첫 전시회야말로 궁극적인 추상화의 정도와 현실에 연관된 상상력을 성공리에 완성하였다고 절찬하였다. 42점의 수련 및 수변 풍경 연작은 현재 가장 크고 통일된 시리즈로서 원래 250개까지 계획되어 있었다.
(7) 시각 상실 시대 (1913년 - 1925년)
모네의 둘째 부인인 Alice가 1911년 죽고, Alice의 딸 Blanche와 결혼 한 큰 아들 Jean도 1914년에 죽었다. 그들의 죽은은 모네에게 큰 충격이었고 Blanche가 그를 간호하였다. 이 시기 모네에게 최초의 백내장 증상이 나타났다. 1913년에 런던으로 가서 진찰한 결과 수술보다는 새로운 안경을 권유받아 그대로 따랐다.
다음 해에 모네의 시각 인지 능력은 더 손상을 입었다. 이에 따라 붓 터치가 넓어지고, 색은 더 어두워져갔다. 실각 상실 증상을 극복하기 위해 물감 튜브에 번호를 붙이고 순서에 맞게 팔레트에 놓을 뿐 아니라 빛을 완화시키기 위해 밀짚 모자를 쓰기도 하였다. 미세한 색조의 차이를 분별하기 어려워지게 됨에 따라 마음 속에 있는 아이디어와 모습들을 공식화시켜 그리는 수밖에 없어졌고, 1914년에서 1918년 정부로부터 의뢰받은 몇개의 패널 그림의 성공에도 불구하고 완성된 작품의 수 또한 크게 줄었다. 1916-1921년 기간 동안 일련의 연작 그림을 계속 그렸고, 1919년 풍경화들을 혼신의 힘을 기울여 완성했음에도 그는 만족할 수 없었다.
1923년에 드디어 백내장 수술을 받았으나 청색증과 무수정 안경이 문제이었으나, 새로운 렌즈를 제공 받아 상황은 개선되어 1925년에 가서는 손상된 시력이 상당 부분 회복되었다.
1차세계대전에 둘째 아들인 Michel이 참적하였고, 모네는 전몰용사들에게 헌정하는 Weeping Willow series를 그렸고 정원 가꾸기에 매진하였다.
2. 화법 (Method)
(1) 개요
모네는 "인상주의의 원동력"으로 묘사되었다. 인상파 화가들의 예술에 중요한 것은 빛이 물체의 국소적 색상에 미치는 영향과 색상의 서로 병치되는 영향에 대한 이해였다. 그의 자유분방한 스타일과 색채의 사용은 "거의 에테르적"과 "인상주의 스타일의 전형"으로 묘사되었다. 모네는 빛의 효과에 매료되었고, 공기 속에서 만물을 그렸는데, 그의 유일한 장점은 "자연 앞에서 직접 그림을 그린 것, 가장 덧없는 효과에 대한 나의 인상을 표현하고자 한 것"이라고 믿었다.
모네는 빛을 그의 그림의 중심 초점으로 삼았다. 그 변형을 포착하기 위해, 그는 종종 준비 없이 한 번에 그림을 완성하곤 했다. 그는 빛이 어떻게 현실의 색과 인식을 바꾸는지 보여주고 싶었다. 빛과 반사에 대한 그의 관심은 1860년대 후반에 시작되어 그의 경력 내내 지속되었다. 런던에 처음 왔을 때, 그는 예술가와 모티프 사이의 관계에 감탄했다. 그는 나중에 참조할 수 있도록 주제와 모티브를 빠르게 메모하기 위해 연필 그림을 사용했다.
모네의 풍경 묘사는 철도와 공장 같은 산업적 요소를 강조했고, 그의 초기 바다 풍경은 음침한 색과 지역 주민들로 가득 찬 음침한 자연을 특징으로 했다. 비평가이자 모네의 친구인 테오도르 뒤렛은 1874년에 "소박한 장면에는 별로 끌리지 않았다...그는 자연이 장식될 때, 그리고 도시 풍경에 특히 끌리는 것을 느꼈고, 선호하기 위해 그는 꽃밭, 공원, 숲에 그림을 그렸다." 인물과 풍경을 나란히 그릴 때, 모네는 풍경이 단순한 배경이 되지 않고 인물들이 구도를 지배하지 않기를 바랐다. 그러한 풍경 묘사에 대한 그의 집중은 르누아르에게 폄하하는 결과를 낳았다. 그는 종종 파리의 교외와 시골의 여가 활동을 그리고 젊은 예술가로서 정물화를 실험했다. 1870년대부터 그는 점차 교외와 도시 풍경에서 벗어나게 되었다. 당대 비평가들과 후대의 학계들은 벨 일(Belle lele)을 전시하기로 한 그의 선택에 따라, 그는 인상주의 회화의 현대 문화에서 벗어나 원시적인 자연으로 나아가고자 하는 열망을 나타냈다.
부댕을 만난 후, 모네는 새롭고 개선된 화가의 표현 방법을 찾는 데 전념했다. 이를 위해 청년 시절 살롱을 찾아 나이 든 화가들의 작품에 익숙해졌고, 다른 젊은 화가들과도 친분을 쌓았다. 그가 Argenteuil에서 보낸 5년 동안, 작은 떠다니는 스튜디오에서 센 강에서 많은 시간을 보냈는데, 빛과 반사의 영향에 대한 그의 연구는 형성적이었다. 그는 장면과 사물보다는 색깔과 모양으로 생각하기 시작했다. 그는 페인트 칠을 할 때 밝은 색을 사용했다. 글레이어 스튜디오의 학문적 가르침을 거부한 그는 "나는 새가 노래하는 것처럼 그림을 그리는 것을 좋아한다." 부댕, 도비니, 종킨드, 쿠르베, 그리고 코롯은 모네의 영향을 받았으며, 그는 종종 전위예술의 발전에 따라 일하곤 했다.
1877년 생라자레 역에서 모네는 연기와 수증기, 색과 가시성에 영향을 미치는 방식, 때로는 불투명하고 때로는 반투명함을 관찰했다. 그는 이 연구를 안개와 비가 경관에 미치는 영향에 대한 그림에 더 활용하기로 하였다. 대기의 영향에 대한 연구는 모네가 같은 주제(그의 수련 시리즈 등)를 다른 조명에서, 하루의 다른 시간에서, 그리고 날씨와 계절의 변화를 통해 반복적으로 그리는 여러 시리즈 그림으로 진화하는 것이었다. 이 과정은 1880년대에 시작되어 1926년 그의 삶이 끝날 때까지 계속되었다. 후기 경력에서 모네는 인상주의 스타일을 "초월"하고 예술의 경계를 넓히기 시작했다.
모네는 1870년대에 자신의 팔레트를 다듬어 의식적으로 어두운 색상의 사용을 최소화하고 파스텔 색상의 사용을 선호했다. 이것은 더 작고 다양한 붓놀림을 사용한 그의 부드러운 접근과 일치했다. 그의 팔레트는 1880년대에 다시 한번 변화를 겪었고, 이전보다 따뜻한 색과 차가운 색 사이의 조화에 더 중점을 두었다. 1923년 눈 수술 후, 모네는 10년 전의 스타일로 돌아왔다. 그는 파란색과 녹색의 강조된 색상 체계에 대해 화려한 색상이나 "조잡한 적용"을 극복하였다. 백내장을 앓는 동안, 그의 그림은 1880년대 후반부터 더욱 광범위하고 추상적이었으며, 그는 그의 작품을 단순화하고 넓은 색상과 톤을 제공할 수 있는 주제를 추구했다. 그는 점점 더 빨간색과 노란색 톤을 사용했는데, 이것은 그의 베네치아 여행 이후 처음 시작된 유행이었다. 모네는 이 시기에 새롭고 더 도전적인 주제를 찾아 프랑스에서 노르망디, 런던, 리베라와 루앙으로 혼자 여행하곤 했다.
스타일 변화는 의도적인 선택이 아닌 장애의 부산물일 가능성이 높다. 모네는 시력의 악화로 인해 종종 큰 캔버스 작업을 하곤 했으며 1920년에는 작은 캔버스로 돌아가기에는 넓은 그림에 너무 익숙해졌다고 인정했다. 그의 백내장이 그의 생산량에 미치는 영향은 학자들 사이에서 논의의 주제가 되어 왔다; Lane et al. (1997)은 1860년대 후반부터 악화되어 선명한 선이 감소했다고 주장한다. 정원은 그의 예술 전반에 걸쳐 도전하는 주제이었고, 특히 그의 생애 마지막 10년 동안 그의 후기 작품에서 두드러졌다. Daniel Wildenstein은 그의 그림에서 "혁신에 의해 풍부해진" 이음새 없는 연속성에 주목했다.
1880년대부터, 특히 1890년대에 모네의 특정한 주제들에 대한 일련의 그림들은 빛과 날씨의 다른 조건들을 기록하기 위해 노력했다. 하루 종일 빛과 날씨가 바뀌자, 그는 캔버스 사이를 바꾸었고, 때로는 한 번에 8개까지 작업하기도 했다. 1895년, 그는 루앙 대성당의 20점의 그림을 전시했고, 빛, 날씨, 대기의 다른 조건에서의 파사드를 보여주었다. 이 그림들은 웅장한 중세 건물에 초점을 맞춘 것이 아니라, 단단한 석조 건축물을 변형시키면서 표면을 가로지르는 명암 놀이에 초점을 맞추고 있다. 이 시리즈를 위해 그는 자신만의 프레임을 만드는 실험을 했다.
그의 첫 번째 시리즈는 건초 더미로, 다른 시각과 다른 시기에 그려졌다. 그 그림들 중 15점이 1891년 갤러리 듀랑-루엘에 전시되었다. 1892년 그는 루앙 대성당을 26번 조망했다. 1883년과 1908년 사이에 모네는 지중해를 여행하여 베네치아에서 일련의 그림을 포함한 랜드마크, 풍경, 바다 풍경을 그렸다. 런던에서 그는 국회의사당, 런던, 채링 크로스 브리지, 워털루 브리지, 그리고 웨스트민스터 브리지의 뷰 등 4개의 시리즈를 그렸다.
Helen Gardner는 다음과 같이 썼다 : 모네는 과학적 정확성을 가지고, 동일한 형태에 대한 빛의 움직임에서 볼 수 있듯이 시간의 흐름에 대한 비교할 수 없고 탁월하지 않은 기록을 우리에게 주었다.
(2) 수련 연작
런던에서 돌아온 후, 모네는 자신의 정원과 수련, 연못, 다리 등 대부분 자연에서 그림을 그렸다. 1900년 11월 22일부터 12월 15일까지 듀랑-루엘 갤러리에서 그를 위한 또 다른 전시회가 열 번 정도 열렸다. 이 같은 전시회는 1901년 2월 뉴욕에서 열렸는데, 그곳에서 큰 성공을 거두었다.
1901년, 모네는 루 강 반대편에 위치한 목초지를 사서 그의 집의 연못을 확장했다. 그리고 나서 그는 그의 작업실에서 자연에 대한 작업과 작업 사이에 시간을 나누었다.
수련에 바쳐진 캔버스는 그의 정원이 바뀌면서 진화했다. 게다가 1905년경에 모네는 물의 둘레를 버리고 원근법을 수정함으로써 그의 미학을 점차 수정했다. 그는 또한 직사각형 들것에서 정사각형 들것과 원형 들것으로 이동함으로써 캔버스의 모양과 크기를 바꾸었다.
이 캔버스들은 매우 어렵게 만들어졌다. 모네는 완벽한 효과와 인상을 찾기 위해 그것들을 다시 작업하는 데 상당한 시간을 보냈다. 그는 그들이 성공하지 못했다고 생각했을 때 주저하지 않고 그들을 파괴했다. 그는 작품에 만족할 때까지 듀랑-루엘 전시회를 계속 연기했다. 1906년으로 거슬러 올라가는 몇 번의 연기 후에, Les Nymphéas 라는 제목의 전시회는 결국 1909년 5월 6일에 열렸다. 1903년부터 1908년까지의 48점의 그림으로 구성된 이 전시회는 일련의 풍경과 수련 장면을 묘사하여 다시 한번 성공을 거두었다.
3. 사망 (1926년)
1926년 12월 5일 86세의 나이로 폐암으로 세상을 떠났고, Giverny 교회 묘지에 묻혔다. 모네는 장례식을 간단히 치르기를 원했기 때문에, 약 50명의 사람들만이 그 행사에 참석했다. 클레망소는 장례식에서 "모네는 검은 옷을 입지 않는다!"라고 말하며 관 위에 덮인 검은 천을 치우고 꽃무늬 천으로 교체했다. 그가 죽었을 때, 워터릴리스는 "기술적으로 미완성"이었다.
모네의 집과 정원, 수련 연못은 1966년 Michel에 의해 프랑스 미술 아카데미(Institut de France)에 기증되었다. 클로드 모네 재단을 통해, 그 집과 정원은 복원된 후 1980년에 방문자들을 위해 개방되었다. 모네의 기념품과 그의 삶의 다른 물건들 외에도, 그 집에는 그의 일본 목판화 소장품이 있다. 집과 정원은 인상주의 박물관과 함께 전 세계에서 온 관광객들을 유치하는 Giverny의 주요 명소이다.
4. 유산
Wildenstein은 모네의 작품에 대해 "너무 광범위해서 그 야망과 다양성이 그 중요성에 대한 우리의 이해에 도전한다"고 말했다. 지베르니에서 그리고 백내장의 영향을 받아 제작된 그의 그림들은 각각 인상주의와 20세기 미술, 그리고 현대 추상 미술 사이의 연관성을 만들어냈다고 한다. 그의 후기 작품들은 객관적 추상화에 "주요" 영감을 주었다. Ellsworth Kelly는 지베르니에서 조형적인 경험을 한 후, 1952년 타블로 베르트와 함께 모네의 작품에 경의를 표했다. 모네는 전통과 모더니즘 사이의 "중간자"로 불리며, 그의 작품은 포스트모더니즘과 관련하여 검토되어 왔으며, 바질, 시슬리, 르누아르, 피사로에게 영향을 주었다. 모네는 현재 인상파 화가들 중 가장 유명한 인물이며, 이 운동에 기여한 결과로서, "19세기 후반의 예술에 큰 영향을 미쳤다".
1927년 5월 프랑스 정부와의 오랜 협상 끝에 27점의 패널 그림이 Musée de l'Orangerie에 전시되었다. 그의 후기 작품들이 예술가들에 의해 무시되었기 때문에, 미술사학자, 비평가들 그리고 대중들은 그 전시회에 거의 참석하지 않았다. 1950년대에 모네의 후기 작품들은 Clement Greenberg와 같은 주변 인물들에 의해 재발견되었다. André Masson의 1952년 에세이는 그림에 대한 인식을 바꾸고 1956-1957년에 형성되기 시작한 감상을 고무하는 데 도움을 주었다. 이듬해 현대미술관에 불이 나면 이들이 획득한 수련화들이 불에 타는 것을 보게 된다. 모네의 후기 그림들의 대규모 성격은 일부 박물관들에게 전시가 어려운 것으로 판명되었고, 그 결과 그들은 틀을 바꾸게 되었다.
1978년, 지베르니에 있는 모네의 정원이 복원되어 대중에게 공개되었다. 2004년, London, the Parliament, Effects of Sun in the Fog (Londres, le Parlement, trouée de soleil dans le brouillard; 1904)는 2010만 달러에 팔렸다. 2006년, 왕립학회 회보(Proceedings of the Royal Society)는 템스 강 위에 있는 세인트 토마스 병원에서 이 그림들이 제자리에 그려졌다는 증거를 제공하는 논문을 발표했다. 1981년, Ronald Pickvance는 1880년 이후의 모네의 작품들이 점점 더 많은 학문적 관심을 받고 있다고 언급했다.
Falaises près de Dieppe (Cliffs Near Dieppe) 는 1998년에 한 번, 그리고 가장 최근에 두 명의 공범과 함께 5년 2개월 동안 박물관의 큐레이터가 절도 혐의로 유죄 판결을 받은 것과 같은 두 차례에 걸쳐 도난당했다. 2008년 6월에 복구되었다.
1873년 파리 근교 센 강에 걸쳐 있는 철도 다리를 그린 모네의 Le Pont du chemin de fer à Argenteuil는 2008년 5월 6일 뉴욕에서 열린 크리스티 경매에서 익명의 전화 입찰자가 기록적인 4,140만 달러에 낙찰되었다. 그의 그림의 이전 기록은 3,650만 달러였다. 몇 주 후, (수련 시리즈에 나오는) Le bassin aux nymphéas는 런던에서 열린 크리스티 경매에서 40,921,250 파운드 (80,451,178 달러)에 낙찰되어 아티스트의 기록을 거의 두 배로 늘렸다. 이 구매는 당시 그림 값으로 지불된 최고가 20위 안에 드는 것이었다.
2013년 10월, 모네의 그림인 L'Eglise de Vétheuil and Le Bassin aux Nympheas는 뉴욕에서 독재자 페르디난드 마르코스의 아내 이멜다 마르코스의 보좌관이었던 빌마 바우티스타를 상대로 소송의 대상이 되었다. 이들 모네 그림은 다른 두 작품과 함께 남편 이멜다가 대통령 재임 중 취득한 것으로 국가 자금을 이용해 구입한 것으로 알려졌다. 바우티스타의 변호사는 보좌관이 이멜다를 위해 그림을 팔았지만 돈을 줄 기회가 없었다고 주장했다. 필리핀 정부는 이 그림의 반환을 요구하고 있다.기베르니에 있는 수련 연못 위에 있는 일본의 다리라고도 알려진 Le Bassin aux Nympheas는 모네의 유명한 수련 시리즈의 일부입니다.
5. 소개 영상 : 교보 노블리에 Art & Culture (presentation by 박정원 화가)